Crimes of the Future, de David Cronenberg (Canda/Grecia/Francia, 2022) ConcursoDe humani corporis fabrica, de Véréna Paravel y Lucien Castaing-Taylor (Francia, 2022) Quincena de RealizadoresMoonage Daydream, de Brett Morgen (EEUU, 2022) Fuera de CompeticiónCuando circuló por Internet el tráiler de la nueva película de David Cronenberg, junto con la información de que era su primer trabajo a partir de un guión original propio desde que existió en 1999, se creó un escalofrío para mostrar la película en un lugar como Cannes. típicamente reservado solo para ciertos cineastas.Era la promesa de traer de vuelta al “Cronenberg real” (un concepto un tanto hilarante, como si algún impostor hubiera hecho sus películas de los últimos veintitantos años, muchas de las cuales eran mucho más que geniales).Esta es típicamente la circunstancia que, en general, ninguna película puede "superar" del todo la expectativa medio torcida que se crea.Lo que sí se puede asegurar, sin embargo, es que Crimes of the Future parece una película muy consciente de su lugar en medio de la obra del cineasta, no solo recuperando algunos elementos visuales y narrativos de trabajos anteriores, sino que prácticamente hace referencia directa a varios de ellos de hecho.La impresión que queda, en cierto sentido, es como si Cronenberg simplemente estuviera aprovechando algunos de los desarrollos de los últimos veintitantos años del mundo (como la profundización de la crisis climática, la locura de la relación del arte con las redes sociales, los desarrollos en la cirugía plástica, etc.) y proponiendo una especie de “¿no te dije?”en forma de una nueva ficción futurista.Sorprendentemente cómico para una película que comienza con el asesinato de un niño por su propia madre (no cuenta como spoiler algo que sucede a los tres minutos de la película, ¿no?), Crimes of the Future puede sorprender a algunos de los personajes más extremos de Cronenberg. fans por ser una película mucho más comentada que precisamente visual.Sí, hay algunos artefactos biotecnológicos fascinantes allí, así como escenas con incisiones explícitas y cuerpos abiertos, y mucha rareza en la creación de una realidad paralela llena de detalles poco explicados.Pero, aun así, la dimensión de la discusión filosófica y existencial parece tomar un lugar mucho más central en la película, en este sentido retomando algunas cosas que habían sido especialmente desarrolladas en Cosmópolis o Un método peligroso –algunas de esas “falsificaciones de Cronenberg” .Lo que la película recupera, en efecto, es un sentimiento muy constante en el cine de Cronenberg: que si algo extraño existe en el interior del ser humano, por muy encarnado que esté en el cuerpo que explora de las más variadas formas, es incluso en la forma en que pensar y sentir el mundo desde estos cuerpos que acaban develando las grandes perversiones y patologías de las personas.En este sentido, la actuación a la vez frágil y cautivadora de Viggo Mortensen en el papel de protagonista encabeza un reparto que consigue crearse un universo que depende mucho más de creer lo que dicen que lo que vemos (incluso porque la película es bastante sobria y perfil bajo en la forma en que utiliza algunos de los paisajes urbanos más abandonados de Atenas para construir esta idea de un futuro indeterminado).Crimes of the Future está mucho más cerca de un cine de ensayo, basado en una construcción cuasi-experimental de un juego con códigos de otras narrativas cinematográficas, que cualquier idea más directa sobre el cine de género.Y, sin duda, es una película que nos pide unas revisitas para desentrañar (con un juego de palabras) la cantidad de detalles y reflexiones que propone desde una mirada entre la tristeza y la esperanza sobre el futuro hacia el que vamos inexorablemente. de marcha.Curiosamente, sin embargo, el nuevo Cronenberg ni siquiera fue la película que utilizó de forma más radical la exploración vanguardista del cuerpo humano, ni la que mostró más sangre y tripas en la pantalla grande el día de su estreno.Antes, en la Quincena de los Realizadores, se estrenó el impactante documental De humani corporis fabrica, en el que Véréna Paravel y Lucien Castaing-Taylor se sumergen de una forma inédita en el trabajo diario de los hospitales de París.La película trata de acercarse al trabajo de los médicos, principalmente, entendiendo que de alguna manera este es un trabajo que no se explica simplemente siguiendo, literalmente, “desde afuera”.Para ello, utilizarán largas secuencias realizadas con los dispositivos de investigación audiovisual del cuerpo: cámaras de endoscopia o colonoscopia, microcirugías, etc. para medicina.Estas secuencias son notables no sólo por lo que sucede con la naturaleza de esas imágenes cuando son trasladadas de su objetivo inmediato a la gran pantalla del cine, en la que adquieren al mismo tiempo un poder de abstracción por un lado, y una enorme materialidad sobre todo por estar acompañado de conversaciones entre médicos mientras las realizan.Y, a veces, quedan tan sorprendidos como nosotros por lo que ven, mientras que otras veces, el esfuerzo de distanciamiento necesario en el ejercicio de la profesión médica, donde se imprime el cuerpo (y en definitiva la vida misma) de una persona la pantalla, solo necesita convertirse en el “objeto de trabajo” cotidiano.Moviéndose por diferentes espacios y especialidades del hospital, pasando literalmente del nacimiento a la muerte, De humani… nos permite vislumbrar de manera inédita la magnitud del peso y el compromiso necesarios para el funcionamiento de una institución como esta.Es una película con un detalle absurdo en esta inmersión, y que exige un desenlace igualmente atento que, en el contexto de esta amplia y algo apresurada cobertura, entre la cantidad de películas y textos por día a tener en cuenta, no sería posible aquí.Pero aquí se registra la sensación de que se ha presenciado algo único y especial, bastante raro en un Festival como Cannes, así como el hecho de que es difícil no salir de la sesión al mismo tiempo con un mayor aprecio por el trabajo de médicos, pero también mucho más miedo de entender lo que realmente sucede en un hospital.Moonage daydream, la película dirigida por Brett Morgen (inmediatamente después de recuperarse de un ataque al corazón que lo dejó en coma durante tres días, digamos, extrañamente conectando estas dos películas) a través del acceso a horas y horas de material de archivo sobre y de David Bowie.Morgen toma dos decisiones importantes a la hora de estructurar todo este material en un corto de más de dos horas: la primera, no utilizar la cronología de vida del artista como una biografía tradicional, sino navegar libremente por fases y momentos de su carrera partiendo de impulsos más abstractos, ya sea artístico o existencial;la segunda, usar mucho la música como guía en este camino, en una presentación de la misma con una mezcla especial pensada para salas de cine, que hace de la película un gran viaje sensorial, siempre guiado por la obra de Bowie.Desde un principio, queda claro que lo que interesa a la película no es tanto hablar de esta obra, sino en sus aspectos más estructurales (cómo fue compuesta, grabada, el trabajo de realización musical en definitiva), y mucho más acercarnos a Bowie como un persona extremadamente elocuente sobre las cuestiones de la existencia y la creación artística en el sentido más amplio.Esta decisión la mayoría de las veces funciona muy bien precisamente porque los materiales de la entrevista con él (que, por cierto, es la única voz que se escucha en la película) permiten que esto se haga de una manera muy orgánica.Sin embargo, también es cierto que a partir de cierto punto, la película parece dar algunos giros falsos en torno a algunos temas que se repiten, sin que necesariamente aporten un sentido diferente, llamando la atención también la repetición de algunos efectos de montaje propios de un vídeo. lógica de clip que termina por quedarse sin su capacidad de crear sorpresa y asombro durante toda su duración.Al final, sin embargo, tanto la extrema autoconciencia de Bowie sobre sus diferentes roles como sus reflexiones sobre temas muy variados y profundos terminan mezclándose muy bien con el increíblemente hermoso material de archivo de algunas de sus presentaciones en vivo en diferentes lugares, épocas y escenarios. .Así, la experiencia de la película acaba por permitir un contacto firme, y con un fuerte sentimiento, sobre algunos de los dilemas de la existencia y la capacidad del arte para afrontarlos.Visto junto a las dos películas anteriores, completó una jornada de conexión con la dimensión corporal esencial de la vida humana como una forma de acercarse a las experiencias más abstractas y, por qué no, espirituales.Y esta forma de llegar a lo etéreo desde lo más material es, al fin y al cabo, una capacidad muy acentuada de lo que es hacer cine.¿Te gusta la cobertura de Cenas?¡Apoya el sitio!Todo sobre producciones 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